Robert Piguet:la semplificazione del lusso.

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1930

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1940

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1951

 

Bello.

Robert Piguet era svizzero di origine, ma, negli anni trenta e anche dopo, veniva definito come lo stilista più parigino dei parigini.

La sua è una storia lineare: una vocazione precoce, il trasferimento a Parigi, l’apprendistato presso importanti case di moda. Poi l’apertura della propria maison, il successo.  Coniugava con il suo stile due insegnamenti (solo) apparentemente inconciliabili: l’uso del colore opulento appreso da Poiret e la semplificazione e funzionalità appresi da Redfern.

La selezione delle immagini relative alle sue creazioni, mi ha portato a scegliere questi esempi che mi sono sembrati subito notevoli. Si riconosce un approccio singolare, l’uso di tagli sperimentali per quegli anni. A me pare di cogliere anche un sincero amore per il mestiere, che si confermò con la presa di posizione durante l’occupazione nazista a Parigi: così come altre case di moda, si rifiutò di portare la sua moda a Berlino.

Quello che apprezzo in questi abiti è la semplificazione del lusso. La mano del couturier è innegabile, ma dietro si intuisce la presenza del designer. Un passo avanti non indifferente.

Nella biografia di Piguet sembra non esserci spazio per il narcisismo che affligge e affliggeva molti couturier: lasciò grande spazio ai giovani collaboratori, formandoli e accogliendo le loro idee.  Collaboratori come Dior, Hubert de Givenchy, Balmain.

Ogni volta che mi avvicino a questi grandi nomi provo a immaginare cosa sia stato per loro il cambiamento radicale di prospettiva creato dalla guerra. Credo che ci sia voluto uno sforzo di volontà notevole per continuare a pensare alla bellezza in un mondo piombato nel lutto.

Piguet si spense nel 1953. Nel 1951 aveva chiuso l’attività, in fondo lavorò fino quasi alla fine.  La dedizione al mestiere è il tratto che ritrovo in tutta questa generazione di creatori di moda. Una cosa semplice, lineare, un valore che ottimisticamente credo che diventerà di nuovo di moda.

Tutto quello che non so.

???????

Bello.

 

 

“Buonasera Sig.ra Delfino.

Leggo spesso il suo blog, e mi rattristo quando non lo aggiorna mantenendo una certa regolarità. Non condivido tutto quello che scrive, ma ne apprezzo molto spirito critico e argomentazioni.

Sono una ragazza di 22 anni con tre anni di studi economici alle spalle, ma con un’indole troppo portata per la moda per restare tra meri numeri. Scrivo per un magazine, di arte, costume e spesso moda. Mi piace leggere di quest’ultima, parlarne, approfondirla, ma comprendo che per scriverne è necessario un certo bagaglio di conoscenze. Le scrivo per chiederle quindi un consiglio, quali letture mi consiglia per iniziare ad arricchire la mia cultura in fatto di moda?

Ciò che più bramo di imparare è l’evoluzione della moda e del suo concetto. Voglio acquisire gli strumenti per poter elaborare un giudizio critico che vada oltre il mio gusto personale. Voglio capire, interiorizzare come distinguere le sottili genialità che taluni stilisti sanno partorire.

Se potesse aiutarmi Le sarei molto grata. E per favore, posti di piu’.

S.

Ps. Sarei inoltre curiosa di sapere quale sia il suo pensiero sul fatto che molti critici abbiano criticato i designers italiani durante l’appena passata fashion week, affermando che questi abbiano mancato di originalità.”

 

Questa è una mail che ho ricevuto la scorsa settimana. Ho deciso di pubblicarla (dietro consenso della mittente) per rispondere anche a numerosi altri messaggi che mi chiedevano consigli simili.

La premessa che mi sento di fare è che io non credo di essere la persona più qualificata per dare consigli in merito, essendo io stessa una quasi autodidatta. Quindi non aspettatevi da me una sfilza di titoli e riferimenti colti.  Posso solo raccontare il mio metodo, per quello che vale.

Il metodo è semplicissimo: assaggiare tutto e farsi guidare dall’istinto.

Certo, ci sono tomi che uno studioso del costume deve necessariamente aver letto (vedi quelli di Roland Barthes..), ma io non sono mai stata così categorica e a dire la verità quei tomi mi hanno sempre annoiata a morte, anche se mi sarei sentita troppo in colpa se li avessi ignorati.

Negli anni ho saltellato incoerentemente tra testi di semantica, biografie, critica, storia, gossip, illustrazioni..

Ho sempre pensato che per farsi un’opinione fosse necessario ascoltare le voci di più gente possibile e che non esista una cultura alta, tanto quanto non ne esiste una bassa. La cultura per me è un insieme di esperienze, non solo intellettive.

In definitiva io ho sempre frequentato molto le biblioteche e letto tutto ciò che potevo. Poi ho acquistato quei libri di cui mi sembrava non potessi fare a meno.

Un titolo tra tutti, che uso frequentemente per le mie lezioni?  Storia della moda XVIII-XX secolo di Enrica Morini.

Un altro piccolo consiglio è quello di leggere assolutamente le autobiografie e gli scritti dei padri e le madri della moda. Sentire raccontare dalla loro voce l’evoluzione e i cambiamenti della moda vale più di innumerevoli testi di critica o storia. Non ce ne sono molte (Dior, Poiret, Schiaparelli, Ferrè..), ma ognuna è imperdibile.

Non ho altri consigli, spero che altri facciano meglio di me.  Per quanto riguarda il postare di piu’.  Vorrei tanto, ma il tempo che mi rimane dopo aver seguito i figli,  progettato, cucito, insegnato, letto.. è talmente poco.  Questa del blog rimane un’attività che faccio, come si suol dire  “a tempo perso”, e mi stupisco ancora e sempre quando mi arrivano mail come questa, che mi restituiscono invece la sensazione di non aver perso il mio tempo.

Rispondo all’ultima domanda, riguardo alla critica di scarsa originalità della moda italiana durante l’ultima fashion week.   Ma quando mai la moda italiana ha brillato per originalità?

Si è sempre detto che il made in Italy è campione nelle vendite perché è in grado di accontentare il mercato, che siamo insuperabili in qualità e vestibilità, insomma l’originalità non è mai stata il nostro cavallo di battaglia. Allora qual è il punto?

Forse che certo giornalismo di moda ha scoperto che la critica tout court va tanto di moda?

 

 

 

 

Delle Muse e della Moda.

Muse 3  loulou-de-la-falaise-YSL-bettycatroux

Muse 6 Babe Paley

Mario Vespasiani

Bello.

L’artista Mario Vespasiani qualche tempo fa mi ha inviato il materiale relativo al suo ultimo, interessante progetto: Mara as Muse, che comprende, oltre alle opere, un cortometraggio e un videoclip ispirato a questa figura, la musa per l’appunto. Dopo uno scambio di opinioni è nata la voglia di partecipare alla discussione con un contributo che riguarda la moda. E’ naturalmente una riflessione parziale, che conto di riprendere in futuro, dato che il tema mi appassiona.

Le Muse e la Moda

Nella descrizione delle nove Muse, figlie di Zeus, nessuna sembra dedicarsi al campo dell’abbigliamento, eppure la moda da sempre non ha saputo fare a meno di queste figure mitiche quanto modernissime.

Nella moda il termine assume un significato specifico, che Quirino Conti ha sapientemente descritto nel suo libro “Mai il mondo saprà. Conversazione sulla moda”:

Lei sola, con sprezzo e indifferenza, oserà indossare ciò che, unicamente per lei e per la sua audace, sperimentale temerarietà, il couturier aveva azzardato. Ne diverrà l’amico, il confidente, e da un solo sguardo veloce e saettante, da un silenzio, da un diniego o da un troppo sonoro entusiasmo egli saprà trarre conclusioni preziose ed essenziali, per poi redigere e ridisegnare in forme, colori e materie quel particolarissimo e inconfondibile stile.

Qualcuno l’ha definita addirittura “la creatura che genera il suo autore”, il che ci fa intuire quale rapporto di reciproco scambio, spesso essenziale, si instaura tra i due in un determinato periodo o a volte per tutta la vita. E’ il caso di Isabella Blow, scopritrice di un giovanissimo e immenso talento come quello di Alexander McQueen e poi divenuta sua musa imprescindibile; due personalità talmente in simbiosi da condividere persino la stessa morte suicida.  Sembrano confondersi così anche i confini tra genio ispirato e musa ispiratrice: quale dei due crea per primo? Ma in questo caso appare forse qualcosa di più estremo: l’incapacità di continuare a creare in assenza di colei che aveva rappresentato l’ideale in carne ed ossa.

La musa per un couturier era ed è spesso anche modella, così che Yves Saint Laurent arrivò a dire che una vera modella può anticipare la moda di dieci anni. Giusto per rimarcare ancora l’importanza in termini di ispirazione della musa, che può rappresentare il punto di arrivo di un percorso creativo, mentre ancora si sta svolgendo; come dire la sintesi in immagine di un ideale.

Chi sono state le muse dei padri della moda? Charles Friederick Worth, l’inventore della haute couture, fu il primo ad utilizzare una modella per presentare le sue invenzioni. Quella prima modella (una commessa del grande magazzino in cui lavorava all’inizio della sua carriera) divenne poi sua moglie e musa ispiratrice, colei che indossava le sue creazioni più innovative e le pubblicizzava con la sua persona nei luoghi in cui si andava “per farsi vedere”. Lo stesso fece Paul Poiret, il re della Belle Époque, sposando Denise Boulet, donna di una bellezza moderna, per cui era considerata una delle signore più eleganti ed estrose di Parigi. Dopo di lui arrivarono le grandi donne della moda: Coco Chanel, Madeleine Vionnet ed Elsa Schiaparelli.  La prima, Coco, cambiò le carte in tavola divenendo musa di se stessa, esemplificazione vivente della sua moda che era definita “la povertà di lusso”. Lei, con il suo taglio alla garçonne, gli abiti maschili e la cascata di gioielli falsi. In realtà anche lei ebbe bisogno di una figura ispiratrice, Misia Sert, che la introdusse negli ambienti artistici della Parigi effervescente delle avanguardie. Misia era colta, ricca ed eccentrica, tutto ciò che Coco avrebbe desiderato essere. Tutto ciò che la sua moda avrebbe dovuto rivestire.

Per Christian Dior la musa ispiratrice era Mitzah Bricard, al suo fianco sin dagli esordi e che lui definì: una di quelle rare persone di oggi la cui unica ragione di vita è l’eleganza. Una donna con l’allure di una diva e lo stile innato di un’eroina chic. Qualcuno potrebbe erroneamente immaginare una fashion-victim dei nostri giorni, ma si sbaglierebbe. In qualche modo Dior descriveva un vero, autentico dandy al femminile, in un’epoca in cui questa figura aveva ancora una possibilità di esistere.

Per Christobal Balenciaga le cose andarono un po’ diversamente: tanto fu tardivo Dior con il suo ingresso nella couture, tanto invece fu precoce Balenciaga, che si racconta ebbe la sua prima, indimenticabile musa nella marchesa Blanca Carrillo de Albornoz y Elio. La leggenda racconta che, ancora adolescente, rimase folgorato dalla sua eleganza mentre usciva da una chiesa. Audacemente le rivolse la parola, promettendole di confezionarle un abito simile a quello che indossava. Evidentemente la sua audacia era pari alla sua bravura, perché la marchesa divenne poi la sua protettrice e mecenate, oltre che prima ispiratrice di uno stile sontuoso e senza sbavature.

Un capitolo a parte merita la Marchesa Luisa Casati, musa di artisti ma anche di couturier come Fortuny, Poiret ed Ertè. Figura eccentrica ed eccessiva per eccellenza, con i suoi occhi bistrati, il viso bianchissimo e i capelli fiammeggianti, colei che a tutti i costi voleva essere un’opera d’arte.

Da queste poche figure si evince che le muse nella moda sono state sempre anticipatrici di un tempo ancora da venire. Eroine di una avanguardia difficile, a volte impossibile da capire per i loro contemporanei. Una boccata di futuro per i creatori di moda, che hanno attinto alla loro modernità per immaginare la donna che le altre donne avrebbero desiderato essere, prima ancora di saperlo.

Per Yves Saint Laurent, protagonista eccellente della moda del ‘900, nonché personalità sfaccettata, una sola musa non era sufficiente. La sua complessità fu rappresentata da due figure agli antipodi e complementari: Loulou de la Falaise e Betty Catroux. La prima il lato gioioso e solare, la frenesia della creazione in atelier, la seconda il lato oscuro del genio, notturna e destabilizzante. Entrambe indispensabili e rappresentative di una moda che poteva vestire donne così diverse, ma sempre uniche. Alla morte di Loulou de la Falaise, nel 2011, i giornali titolarono: L’ultima grande musa, intendendo in questo modo sottolineare la fine di un’epoca, di un modo di intendere la moda. Quella che finiva era l’epoca dei couturier, sostituiti prima dagli stilisti e poi dai direttori artistici; la couture sostituita dalle logiche dell’industria.

Che ne è stato delle muse?

Nel secondo dopoguerra i grandi fotografi come Irving Penn, Richard Avedon e Cecil Beaton hanno ritratto donne dalla personalità spiccata che frequentavano abitualmente ancora quell’ambiente inconfondibile dell’haute couture: Marella Caracciolo di Castagneto, Bettina Ballard,  Millicent Rogers, Babe Paley, Gloria Guiness…  Negli anni ’60 e ’70 iniziò l’epoca delle grandi modelle-muse, che rappresentavano perlopiù un ideale giovanile (Twiggy, Veruschka) per proseguire poi negli anni ’80 con le top-model, camaleontiche e protagoniste assolute, tanto da prevalere sugli abiti. Gli anni ’90 con il minimalismo nella moda riportarono l’attenzione sugli abiti e per un breve periodo sembrò che le muse non avessero più grande appeal. Ma l’illusione ha avuto vita breve se personaggi come Kate Moss da più di vent’anni continuano a ispirare e dirigere le fantasie dei creatori di moda. Non a caso nel 2009 il Costume Institute del Metropolitan Museum a New York ha dedicato al tema una mostra dal titolo esemplificativo: The model as Muse: Embodying Fashion.

Ma possiamo ancora parlare di muse? In realtà il termine oggi suona un poco obsoleto ed è stato sostituito da un’altra parola: icona, che sposta l’attenzione dal contenuto all’immagine pura e semplice. Ed è evidente che in un tempo come quello presente, in cui la velocità fagocita parole e gesti, cosa c’è di più immediato di un’immagine? Le icone di stile, moderne muse, invadono di preferenza i social network, si fanno immortalare dai blogger, dettano legge in fatto di moda sulle pagine delle riviste di tendenza. Per loro parlano le immagini da sole, senza bisogno di spiegazioni o esternazioni colte.

Eppure il termine musa non smette di affascinare i creatori di moda, come dimostra l’ultima campagna pubblicitaria di Marc Jacobs per Louis Vuitton, in cui Steven Meisel immortala sei muse contemporanee, attingendo a personaggi “storici” come Catherine Deneuve, classici come Sofia Coppola e infine più moderni come le modelle Edie Cambell e Caroline Maigret.

Forse qualcuna delle Muse sopravvive, lontana dai riflettori, presente negli atelier dell’alta moda, che incredibilmente resiste ancora in questi tempi di fast and furious. Ma si sa, la vera bellezza è spesso talmente lontana dai luoghi comuni da risultare ostica. E, come in passato, le muse sono ancora quell’avanguardia che necessita di un tempo lungo per essere compresa, troppo lungo. Oggi più di ieri.

Confessioni di una sarta (ex-stilista).

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Brutto.

Un anno fa aprivo questo blog. Non mi aspettavo niente di speciale, a dire il vero ero molto delusa e anche vagamente arrabbiata: leggevo e vedevo molte cose che non mi tornavano. Soprattutto non mi sembrava di udire voci autonome che parlassero di moda, come se il settore soffrisse i postumi di una anestesia. Non ho mai pensato di risolvere la questione o di apportare un contributo decisivo, solo mi premeva di non restare a guardare. Ho sempre immaginato che la mia voce, in fondo, si sarebbe persa nel mare della rete, però anche il mare è pur sempre fatto di gocce..

Devo anche dire che la mia scelta di bollare i miei interventi con il bello/brutto è stata spesso contestata, mentre qualcuno mi ha addirittura scritto apprezzamenti sicuramente esagerati, definendo questo blog come l’unico avamposto di critica di moda.

Al di là di risultati belli o brutti, i motivi che mi rendevano delusa e un po’ arrabbiata non sono scomparsi e a distanza di un anno mi ritrovo a pensare ancora le stesse cose di allora. E’ per questo che voglio riproporre quel primo post e lo farò allo scadere di ogni anno (ammesso che io o la voglia di continuare duriamo). A meno che le cose non cambino davvero, per me o in generale:

Adieu

“Mi sento come Paul Poiret quando, al termine della sua carriera, disse: – Mi sento molti abiti sotto la pelle..-.

Ma poi quegli abiti rimasero sottopelle e inespressi.

O forse mi sento come Elsa Schiaparelli quando nella sua autobiografia, poco prima di lasciare le scene, scrisse: – Quando il vento ti prende il cappello e te lo porta via, sfidandoti a inseguirlo sempre più lontano, tu devi correre più veloce del vento se vuoi recuperarlo..-.

Ma poi lei si fermò e lasciò che il suo cappello se ne andasse dove lei non poteva, non voleva andare.

Stamattina ho riletto un brano di uno spettacolo di danza di dieci anni fa. Lo ricordo bene e ancora mi emoziona:

Ho trent’anni e sono in pensione / voglio dire ballerino in pensione / non ho trovato altro che rabbia / che delle mezze soluzioni / non ho più piacere a danzare / nè davanti ai borghesi / nè davanti a nessun altro / non ho più niente da dire sulla scena / allora faccio capolino / questa sera è una confessione / è uno spettacolo che si suicida davanti a voi / per soffocamento.

E il ballerino rimase immobile, per tutto lo spettacolo, oltre un’ora, mentre rivoli di sangue blu gli colavano sul corpo.”