Lo zen e la cruna dell’ago. (Part III).

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17 air 2002(ph. Maren Ollmann).  Coll. Air, Adriana Delfino

Bello?

Parlando di sartoria ho menzionato quasi tutti i sensi, tranne uno: il gusto.  Per quanto possa sembrare strano, anche lui è coinvolto. Le vecchie sarte usavano tirare i punti di imbastito con i denti, per poi sputarli in terra. Qualcuna li teneva in bocca e li masticava come fossero chewing gum.  Che dire poi della deplorevole abitudine di tenere gli spilli tra le labbra?  Quel sapore di ferro doveva essere vagamente eccitante, anche per la sensazione di pericolo che trasmetteva.  Circolano parecchie storie (o leggende) raccapriccianti di sarte che in un momento di distrazione avrebbero ingoiato spilli..

Ma tra tutte le abitudini che riguardano il gusto e la sartoria, quella che preferisco è il gesto di bagnare il filo con la saliva prima di infilarlo nella cruna.  Se si fa attenzione, si possono scoprire sapori diversi da filo a filo. Ma ammetto che la parte più bella non è tanto il sapore, quanto piuttosto quell’attimo di sospensione, di concentrazione che precede il risultato. C’è chi lo affronta con impazienza, chi con rassegnazione, chi invece, come me, come una pausa necessaria: come il punto che divide una frase dall’altra.

Ma mi accorgo di non aver menzionato abbastanza il senso dell’udito. Non è solo il suono delle forbici o della macchina da cucire che fanno da colonna sonora in sartoria. Una musica ben più intensa è quella che produce il movimento di ogni tessuto; a ognuno la sua.  Si è parlato spesso del suono cartaceo del taffetà, io però mi incanto al suono del voile quando lo si getta sul tavolo per stenderlo; è un suono lieve come un sussurro e mi fa pensare immediatamente a tutte quelle minuscole ali contratte nei bozzoli dei bachi da seta.

Mi capita di sentirmi fuori luogo e fuori tempo a fare il mestiere che faccio e a ragionarci sopra. Qualcuno la chiama già archeologia della moda!  E’ possibile che concentrati sul cucito nei nostri laboratori ci siamo persi l’attualità e siamo diventati, senza saperlo, dei pezzi da museo.

Sarà per questo che, come estremo atto di resilienza, a dispetto di quando si diceva che in sartoria il mestiere bisognava rubarlo, io insegno.

Mi capitano allievi di ogni età e provo a trasmettergli quel poco che ho imparato rubando o arrivandoci da sola dopo tentativi fallimentari. Poiché io non ne ho avuti, spero di essere un maestro almeno decente per qualcuno.  E spero, soprattutto, che altri (magari più bravi di me) facciano altrettanto.

Niente ha senso se non si trasmette ad altri. I successi più grandi che ho avuto finora, sono negli occhi dei miei allievi.

(Fine).

Lo zen e l’arte del ferro da stiro.

camicie bianche

Bello.

Posseggo molte camicie bianche, che sono una mania a cui non so resistere, anche se non le indosso spesso. Periodicamente, quindi, le tiro fuori dal guardaroba e le rinfresco. Si tratta di un lavoro lungo e meticoloso, ripagato però dalla soddisfazione di vederle poi tutte impilate e perfettamente stirate. La sensazione che mi rimanda quel candore organizzato è quella di un apparente (e illusorio) potere di controllo sulla materia.  Ma si tratta anche di una fatica di tipo quasi meditativo difficile da spiegare senza il pericolo di passare per matta.

Mi sono tornati in mente alcuni ricordi proprio mentre ero occupata in questa fatica periodica.  Ricordo una cliente, alcuni anni fa, per cui avevo realizzato un complicato abito da sera in chiffon di seta. Un lavoro paziente e preciso culminato in una stiratura altrettanto complessa.  Dopo un paio di anni la stessa cliente tornò da me per chiedermi se potevo fare alcune modifiche su quell’abito poiché era dimagrita. Le chiesi come mai non mi avesse portato direttamente l’abito in modo da poterlo provare e stabilire la fattibilità. Rispose che l’aveva portato e mi porse una busta di plastica, di quelle per la spesa, con dentro, appallottolato, l’abito.

Era più che evidente che quella donna non aveva mai stirato un abito in vita sua, né conosceva i principi basilari dello stare al mondo in modo appropriato e nemmeno possedeva un briciolo di classe. Ed era anche evidente che non toccava a me istruirla. Rimasi profondamente offesa.

John Galliano raccontava in un’intervista il suo apprendistato nella moda; aveva cominciato lavorando in teatro come aiuto-costumista, lavoro che consisteva prevalentemente nello stirare e mettere in ordine i costumi. Nonostante quello che si può pensare, Galliano diceva di aver imparato tantissimo da quella gavetta e di quanto sia fondamentale la stiratura per la riuscita di un abito. Ricordo che diceva che un abito non è niente se non è ben stirato, solo un mucchietto di stoffa.  Nei reparti confezione la stiratura è l’ultimo passaggio, uno dei più delicati ed è quello che dà la forma agli abiti, per non parlare dei capi-spalla…

Nei miei laboratori di micro-modellazione tessile mi imbatto costantemente in ragazzi (spesso anche adulti fatti) che non hanno letteralmente mai preso un ferro da stiro in mano e lo si intuisce immediatamente, dato che tendono a lasciare il ferro appoggiato sulla piastra!  Certo si può vivere senza saper stirare, d’altra parte si può sopravvivere anche mangiando senza posate e bevendo direttamente dal rubinetto…

Mi accorgo che nemmeno i negozi che vendono abbigliamento tengono più molto in conto la pratica della stiratura: mi è capitato molte volte di vedere in vetrina capi spiegazzati in modo vergognoso, evidentemente tirati fuori dagli scatoloni o dalle buste e appesi così com’erano.

Per come la vedo io, presentare un capo stazzonato è sinonimo di cafonaggine, tanto quanto spruzzarsi il profumo senza essersi lavati.

Djagilev, Nijinsky, Poiret: sete, splendori e miseria..

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Bello.

Mi è capitata tra le mani questa bellissima seta vintage, con cui realizzerò un tubino su misura, e immediatamente ho pensato ai Ballets Russes di Djagilev.

 

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Subito dopo, in automatico, mi è tornata in mente la descrizione della festa più spettacolare di tutti i tempi, quella tenutasi il 24 Giugno 1911 nel giardino della Maison Poiret: La Féte de la Mille et Deuxième Nuit (La Festa della Milleduesima Notte).

Nella sua autobiografia – Vestendo la Belle Époque – Paul Poiret fa una descrizione dettagliata di questo evento, che tutti coloro che ebbero la fortuna di vivere, non poterono mai dimenticare.

La descrizione prende intere pagine. Fu per il couturier, all’apice del successo, la realizzazione di un sogno personale, anzi la messa in scena della sua immaginazione più sfrenata:  ‘Avevo riunito molti artisti e avevo messo i miei mezzi a loro disposizione per realizzare un insieme che nessuno aveva mai potuto creare fino ad allora..’

Durante la festa fu rappresentato un Oriente misterioso e idealizzato, in cui naturalmente il sultano assoluto era proprio lo stesso Poiret e la sua favorita la giovane e bellissima moglie, Denise Boulet.

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Gli ospiti vennero forniti di abiti persiani autentici, per non rovinare l’atmosfera della festa. C’erano fontane che sembravano sorgere da tappeti antichi, c’erano cantastorie che raccontavano brani dalle Mille e una Notte, i viali erano cosparsi di sabbia del deserto e vi passeggiavano animali esotici.

“Alcuni alberi erano coperti di frutti luminosi blu scuri, altri portavano bacche luminose viola (…) In un angolo c’era la baracca della maga, che portava dei diamanti incastonati nei denti (…) Ed ecco il bar delle tenebre, in cui solo i liquori erano luminosi..”

Durante la festa le sorprese si susseguirono a un ritmo incalzante: danzatrici orientali, mercanti che inscenavano compra-vendite, un finto incendio culminato in fuochi d’artificio, suonatori di cetra, cuochi indù che preparavano cibi della loro cucina con ingredienti fatti arrivare per l’occasione.  E poi incensi e mirra fatti bruciare da servitori di colore, piramidi di cuscini orientali, una gabbia dorata abitata da odalische..

Poiret non badò a spese, come al solito. Usò il suo denaro così come faceva con l’immaginazione: senza freni. Un uso magnifico e rischioso che lo portò dagli splendori della Belle Époque allo spegnersi solo e in miseria nel 1944. Non se ne accorse quasi nessuno, un solo giornalista era presente, Lucien François, e così scrisse:

..un uomo non può, come Poiret ha fatto, dedicare la sua vita ad esaltare il prestigio del lusso in una città che vive di lusso e ne ricava tesori; un uomo non può, come Poiret, essere stato colui cui tanti artisti, sarti, industriali tessili, profumieri, devono indirettamente parte della loro fortuna; un uomo non può essere Poiret e morire in tale desolata miseria”.

 

 

Arsenico e merletti – Belle da morire.

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Brutto?

In piena epoca vittoriana le donne amavano vestirsi di una particolare tonalità di verde. Era il colore di tendenza e non c’è dubbio che le signore in questione fossero delle autentiche fashion-victims perché quel colore era a base di arsenico.

Niente a che vedere con le moderne fashion-victims che nel peggiore dei casi rischiano solo di rendersi ridicole..  Indossare quegli abiti, quelle stole, quei copricapi impregnati di veleno poteva provocare orribili sofferenze fino ad arrivare alla morte precoce.

Ma non è tutto. Quegli abiti lasciavano dietro loro una scia nefasta: ne subivano le conseguenze tessutai, sarti, ricamatrici, lavandaie, domestici. E poi ancora mariti ed accompagnatori che stringevano le dame durante i balli mondani e persino i bambini che venivano abbracciati o tenuti in grembo dalle eleganti e letali mamme.

Sembra che le donne (ma anche uomini) continuassero ad usare i tessuti tinti con quel colorante anche dopo che erano stati resi noti gli effetti funesti che comportavano, arrivando persino a impiegarli per tappezzare intere stanze.

Alcuni degli abiti all’arsenico, insieme con altri capi altrettanto dannosi per la salute, saranno in mostra al Toronto’s Bata Shoe Museum dal 18 Giugno fino al 2016 nella mostra Fashion Victims: The Pleasures and Perils of Dress in the 19th Century.

Il direttore del museo tranquillizza i visitatori circa il pericolo che potrebbe derivare dall’accostarsi a quegli abiti (a meno di leccarli, dice lui..).

C’è da credergli?

Storia di una giacca – Il tempo ti fa bella.

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Bello.

In Giappone si chiama kintsugi, ed è una pratica che riguarda gli oggetti che hanno una storia e sui quali il tempo ha prodotto crepe e segni. Noi in Occidente diremmo molto semplicemente che si tratta di oggetti rotti.  Ma quando il tempo diventa un valore anche i suoi effetti sulle cose non sono più imperfezioni, ma la testimonianza di una storia percorsa.

Nelle crepe degli oggetti vissuti, o semplicemente danneggiati, i giapponesi colano dell’oro, proprio per valorizzare con il metallo più prezioso (a volte utilizzano persino platino) quel segno. Non un danno quindi, ma la bellezza dell’imperfezione.

La giacca vintage di paillettes quadrate opache color oro cucite su una base di chiffon di seta ha attratto la mia attenzione proprio perché era perfetta per mettere in pratica il kintsugi: mancavano strisce di paillettes un po’ dovunque, segno che era stata molto vissuta e anche molto amata, credo.  Il restauro avrebbe potuto essere di tipo tradizionale, ossia aggiungere paillettes più o meno simili lì dove mancavano.. L’idea non mi ha nemmeno sfiorata.  Ho cercato delle passamanerie metalliche color oro vintage, preziose proprio perché ormai fuori produzione. Con queste ho ricoperto le zone ‘vissute’.

Il tempo non è passato invano sulla mia giacca.

Regine d’Africa.

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Bello.

Vlisco è il produttore olandese di questi splendidi tessuti che, non a caso, sono venduti per il 90% in Africa. L’azienda ha una storia antica che risale al 1846 e che sembra essere il filo conduttore di questa mirabolante collezione immaginaria.

Il fotografo Koen Hauser insieme all’art director Maarten Spruyt hanno realizzato il servizio fotografico che si ispira per gli abiti alla storia della moda occidentale e che mette in luce la magnificenza dei colori e delle stampe di questi tessuti.

Un’estetica indubbiamente affascinante, più di molte vere collezioni che tentano di ispirarsi al mondo africano, ma che rimangono in un limbo privo di autentica originalità.